Современные художники России: четыре художественных языка от инсталляции до цифрового искусства

Современные художники России работают с разными формами художественного высказывания. Произведением может стать целое помещение, организованное событие, объект в природном ландшафте или многоканальная видеоинсталляция. Такие практики расширяют представление о том, какими средствами художник может исследовать выбранную тему и какую роль в произведении играет зритель. В истории российского современного искусства есть авторы, чья работа связана с развитием этих художественных языков.

Первый выпуск серии посвящён четырём практикам: Ильи и Эмилии Кабаковых, группы «Коллективные действия» и Андрея Монастырского, Николая Полисского и AES+F. Их произведения позволяют рассмотреть тотальную инсталляцию, художественную акцию, ленд-арт и цифровое видео как самостоятельные способы работы с искусством. В следующих выпусках речь пойдёт об Андрее Бартеневе, Павле Пепперштейне, Эрике Булатове, Recycle Group и представителях молодого поколения. Через биографии и конкретные произведения можно проследить, как формируется авторская тема и каким образом она определяет выбор художественных средств.

Современные художники России: Илья и Эмилия Кабаковы и тотальная инсталляция

Илья Кабаков (Ilya Kabakov) родился в 1933 году в Днепропетровске и учился в Суриковском институте. С 1950-х годов он работал иллюстратором детских книг в государственных издательствах, одновременно создавая произведения, которые показывал небольшому кругу друзей. В 1987 году, в возрасте 54 лет, художник уехал на Запад, первоначально отправившись на шестимесячную резиденцию в Грац. Впоследствии его жизнь и художественная деятельность были связаны с Нью-Йорком.

Эмилия Кабакова (Emilia Kabakov) родилась в 1945 году в Днепропетровске, эмигрировала в 1973 году и с 1975 года жила в Нью-Йорке. Она занималась кураторской деятельностью и работала арт-дилером, а в 1988 году начала совместную работу с Ильёй Кабаковым. В 1992 году художники поженились и продолжили развивать общую художественную практику. Илья Кабаков умер 27 мая 2023 года.

Одним из основных направлений их творчества стала тотальная инсталляция. В такой работе художник создаёт целостную среду, объединяя помещение и предметы в единую художественную ситуацию. Зритель оказывается внутри пространства, которое может напоминать чужую комнату или другую часть повседневной жизни. Значение приобретает расположение вещей, устройство помещения и последовательность знакомства человека с произведением.

В проектах Кабаковых часто присутствуют вымышленные персонажи, чьи истории раскрываются через интерьеры и альбомы. Художники обращаются к советскому быту, представлениям об утопии и положению маленького человека. Эти темы развиваются через создание обстоятельств, в которых мог бы существовать персонаж. Пространство становится способом рассказать историю и передать отношение автора к изображаемой действительности.

«Человек, который улетел в космос из своей комнаты»: как устроена тотальная инсталляция

В 1985 году Илья Кабаков создал произведение «Человек, который улетел в космос из своей комнаты». Инсталляцию впервые собрали в московской мастерской художника, а первый публичный показ состоялся в Нью-Йорке в 1988 году. Сегодня работа находится в коллекции Центра Помпиду. Её содержание связано с историей вымышленного человека, который попытался покинуть привычный мир, отправившись в космос.

Художник предлагает зрителю познакомиться с комнатой отсутствующего персонажа. Через предметы и устройство помещения можно восстановить обстоятельства его жизни и представить произошедшее событие. Такой способ повествования предполагает активное участие зрительского воображения. История раскрывается через исследование созданной среды, а не через последовательность изображений на отдельных картинах.

Для анализа подобных произведений необходимо учитывать, как художник организует пространство и какую роль отводит каждому элементу. Важен сам порядок знакомства зрителя с художественной ситуацией: какие детали он замечает и каким образом связывает их между собой. Тотальная инсталляция предполагает работу со всем пространством, в котором существует произведение. Через его устройство художник создаёт обстоятельства, влияющие на зрительское восприятие.

Тема памяти в искусстве Кабаковых

Значительная часть произведений Ильи Кабакова связана с осмыслением советского прошлого. Коммунальный быт и знакомые повседневные предметы становятся средствами обращения к памяти. Художник создаёт целые пространства, которые воспроизводят обстоятельства жизни вымышленных людей и одновременно связаны с его собственным опытом. В результате тема прошлого раскрывается через созданную художественную среду.

В этих произведениях можно проследить неоднозначное отношение автора к советской действительности. Усталость от коммунального быта и горечь могут соседствовать с ностальгией по знакомому окружению. Поэтому зрительское восприятие не обязательно сводится к одному эмоциональному состоянию. Для понимания замысла существенны биография Кабакова и его представления о прошлом.

Анализ такой практики предполагает внимание к авторскому контексту. Зритель может узнать знакомые предметы и связать их с собственными воспоминаниями, однако художественное произведение предлагает познакомиться с опытом самого Кабакова. Тема памяти раскрывается через устройство пространства и возникающие в нём обстоятельства. Работа художника показывает, что для исследования прошлого можно создавать целостную среду, а не ограничиваться изображением отдельных узнаваемых символов.

Кабаковы в музейной и выставочной практике

В 1993 году Илья и Эмилия Кабаковы представили инсталляцию «Красный павильон» в павильоне России на Венецианской биеннале. Их произведения также экспонировались в MoMA, Музее Хиршхорна, Стеделейк-музее и на Documenta IX. Tate Modern относит Кабаковых к художникам, стоявшим у истоков тотальной инсталляции, и указывает, что они создали около двухсот инсталляций. Их практика стала частью истории развития пространственных форм современного искусства.

В 2017–2018 годах Tate Modern представила ретроспективу «В будущее возьмут не всех». Название выставки восходит к эссе Ильи Кабакова 1983 года. В 2018 году проект был показан в Эрмитаже, а с сентября 2018-го по январь 2019 года проходил в Новой Третьяковке, где экспонировалось более ста произведений. Выставка позволила рассмотреть разные периоды творчества художников через работы, связанные общей системой тем.

Для художников, которые хотят работать с инсталляциями, практика Кабаковых представляет пример последовательного развития темы через пространственные решения. При создании подобного произведения необходимо учитывать устройство среды и способы взаимодействия с ней. Автору предстоит определить, какую историю он предлагает зрителю и каким образом пространство поможет её раскрыть. Выбор предметов и организация помещения становятся частью художественного высказывания.

Андрей Монастырский и «Коллективные действия»: акция и её документация

Группа «Коллективные действия» (Collective Actions) возникла в Москве в марте 1976 года в кругу московского концептуализма. Среди её основателей были Андрей Монастырский (Andrei Monastyrsky), Никита Алексеев, Георгий Кизевальтер и Лев Рубинштейн, участвовавший только в первой акции. Позднее к группе присоединились Николай Панитков, Игорь Макаревич, Елена Елагина, Сабина Хэнсген и Сергей Ромашко. Основой их художественной практики стали акции, организованные в определённом месте и времени.

Для проведения таких событий участников часто приглашали за город, в поле или лес. Акция могла предполагать минимальное внешнее действие, а её содержанием становились ожидание и внимание человека к происходящему. Художники организовывали обстоятельства, в которых зритель наблюдал за пространством и собственным восприятием. Участие человека входило в структуру произведения.

Такой подход позволил работать с художественным событием как с самостоятельной формой. Значение приобретали место проведения и продолжительность ожидания, а также действия приглашённых людей. После завершения события сохранялись документы, позволяющие восстановить его ход. Акция продолжала существовать через описания и фотографии.

«Появление» (1976): произведение, которое создаётся через ожидание

13 марта 1976 года в Измайловском парке состоялась первая акция «Коллективных действий» под названием «Появление». Около тридцати зрителей наблюдали за заснеженным полем, пока к ним не подошли двое участников. Пришедшие вручили присутствующим справки о том, что они стали свидетелями появления. Документы фиксировали участие человека в состоявшемся событии.

Содержание акции складывалось из ожидания и последовавшего действия. Зрители находились в определённом пространстве, наблюдали за происходящим и получали подтверждение своего участия. Справка становилась свидетельством события, которое уже завершилось. Вместе с описанием происходившего она позволяла восстановить структуру художественной работы.

В практике группы существенное место занимала документация. Каждая акция могла быть представлена через фотографии, официальные описания и свидетельства участников. Благодаря таким документам люди, не присутствовавшие на месте, получали возможность познакомиться с произведением. Сохранялись сведения о последовательности действий и обстоятельствах проведения.

«Поездки за город»: документация как часть произведения

С 1980 года группа начала собирать документы об акциях в самиздатовские тома «Поездки за город». В них вошли предисловия Андрея Монастырского, описания событий, рассказы участников и приложения. За время деятельности коллектива было проведено более ста акций. Собранные документы позволяют исследовать произведения после завершения самих событий.

Фотографии некоторых акций хранятся в архиве Георгия Кизевальтера, который находится в собрании Музея «Гараж». Архивные материалы дают возможность рассматривать художественную практику группы через конкретные события. Документация сохраняет сведения о действиях участников и условиях их проведения. В результате акция оказывается доступной для изучения и спустя годы.

В 2011 году группа была представлена проектом «Пустые зоны» (Empty Zones) в павильоне России на 54-й Венецианской биеннале. Куратором выступил Борис Гройс. Представление художественной практики, связанной с прошедшими событиями, предполагает обращение к сохранившимся свидетельствам. Документы позволяют познакомиться с устройством акций и проследить развитие подхода группы.

Практика «Коллективных действий» показывает возможности искусства, существующего в форме события. Художественное произведение связано с организацией действия и восприятием участников, а после завершения сохраняется через документацию. Для художника, выбирающего подобный медиум, существенным становится вопрос фиксации события. Описание и фотографии могут быть предусмотрены как часть художественной работы ещё на этапе подготовки акции.

Николай Полисский: ленд-арт и создание произведений в природной среде

Николай Полисский (Nikolay Polissky) родился в Москве в 1957 году. В 1982 году он окончил керамическое отделение Мухинского училища в Ленинграде, позднее входил в группу «Митьки» и участвовал в её выставках в 1989–1991 годах. В 1989 году художник впервые приехал в Никола-Ленивец, деревню в Калужской области. Около десяти лет он писал пейзажи этой местности, прежде чем перейти к созданию художественных объектов в окружающем пространстве.

В 2000 году Полисский начал работать с ленд-артом. Данный художественный подход предполагает создание произведений в непосредственной связи с природной средой. Материал и форма объекта определяются особенностями выбранного пространства, а окружающий пейзаж участвует в его восприятии. Для Полисского существенную роль также играет совместная работа с местными жителями.

Художник создаёт объекты из снега, сена, лозы, дров и дерева. В реализации проектов участвует артель никольских мастеров, сложившаяся в процессе сотрудничества с местным сообществом. Люди, живущие на территории, становятся непосредственными участниками создания произведений. Художественная практика развивается через взаимодействие с местом и его жителями.

«Снеговики» (2000): как коллективная работа изменила художественную практику

В 2000 году Полисский реализовал проект «Снеговики». Вместе с местными жителями он организовал создание двухсот снеговиков, ставших частью зимнего пейзажа. По формулировке парка Никола-Ленивец, именно эта работа внесла деревню на карту современного искусства. Проект обозначил переход художника от изображения природы к созданию произведений непосредственно в ней.

Для работы был выбран материал, связанный с конкретным временем года и природными условиями. Снег позволил создать множество объектов, объединённых окружающим пространством. Участие местных жителей стало частью реализации художественного замысла. В результате произведение формировалось через совместную деятельность людей в определённом ландшафте.

Такой подход предполагает внимание к условиям существования художественного объекта. Произведение воспринимается в связи с окружающей средой, которая влияет на его масштаб и визуальное устройство. Природный материал определяет возможности создания формы. Контекст места становится частью содержания художественной работы.

Никола-Ленивец как пространство художественной практики

В Никола-Ленивце находятся произведения Полисского «Маяк» (2004), «Вселенский разум» (2012), «Бобур» (2013) и «Угруан» (2019). Работы создавались для природного пространства и взаимодействуют с окружающим ландшафтом. «Бобур» представляет собой объект высотой 22 метра, выполненный из берёзовой лозы. Его название отсылает к Центру Помпиду в Париже.

В середине 2000-х Полисский инициировал фестиваль «Архстояние», связанный с созданием художественных объектов в природной среде. Территория Никола-Ленивца стала местом развития пространственных художественных практик. Для Полисского существенным остаётся принцип, согласно которому произведения продолжают особенности окружающего ландшафта. Художественная форма рассматривается через её связь с конкретным местом.

Работа с территорией включает также взаимодействие с её жителями. Местные мастера участвуют в строительстве объектов и привносят собственный опыт работы с природными материалами. Создание произведения оказывается связано с повседневной жизнью сообщества. При таком подходе окружающая среда влияет как на художественный результат, так и на сам процесс работы.

Практика Полисского получила развитие и за пределами Никола-Ленивца. В 2008 году он участвовал в павильоне России на XI архитектурной биеннале в Венеции. В 2009 году по заказу музея Mudam в Люксембурге художник создал «Большой адронный коллайдер» из вяза и тростника. Произведение продолжило работу с крупными пространственными формами и природными материалами.

Художникам, исследующим возможности ленд-арта, практика Полисского предлагает рассматривать территорию как составляющую художественного замысла. На форму произведения влияют материал и характер окружающей среды, а его реализация может предполагать участие местного сообщества. Поэтому подготовка подобного проекта начинается с изучения пространства и условий, в которых будет существовать работа. Место становится частью художественного высказывания.

AES+F: видеоарт, анимированная фотография и цифровые образы

Группа AES возникла в 1987 году, её основателями стали Татьяна Арзамасова (Tatiana Arzamasova), Лев Евзович (Lev Evzovich) и Евгений Святский (Evgeny Svyatsky). В 1995 году к коллективу присоединился фотограф Владимир Фридкес (Vladimir Fridkes), после чего группа стала работать под названием AES+F. Художники используют фотографию и цифровые технологии для создания визуальных произведений. В их практике присутствуют многоканальные видеоинсталляции, цифровые коллажи и скульптура.

Одной из особенностей художественного языка AES+F является использование фотографического изображения как основы для дальнейшего цифрового преобразования. Художники создают анимированные сцены, объединяя их в произведения, рассчитанные на просмотр в выставочном пространстве. Несколько каналов видео позволяют одновременно показывать разные части созданного мира. В результате зритель знакомится с произведением через последовательность изображений и их пространственное взаимодействие.

Темы AES+F связаны с насилием, превращённым в визуальный образ, изменением социальных ролей и глобальной культурой потребления. Художники обращаются к сюжетам, в которых привычные отношения между людьми оказываются преобразованы. Цифровая обработка позволяет конструировать сцены с изменёнными правилами происходящего. Визуальная среда становится способом исследования выбранных социальных тем.

«Последнее восстание»: от фотографии к движущемуся изображению

Проект «Последнее восстание» (Last Riot) создавался в 2005–2007 годах. Его премьера состоялась в павильоне России на 52-й Венецианской биеннале в 2007 году. Работа стала первым произведением AES+F, в котором фотографии были анимированы с помощью морфинга. Художники использовали цифровую технологию для создания движения и переходов между статичными изображениями.

Такой способ работы позволил превратить фотографию в основу развивающейся визуальной сцены. Изображения сохраняют связь с фотографической природой исходного материала, но получают возможность изменяться во времени. Художники управляют движением персонажей и последовательностью происходящего. Видеоформат становится средством построения художественного мира.

«Последнее восстание» вошло в трилогию «Лиминальное пространство». В неё также включены «Пир Трималхиона» (2009) и «Allegoria Sacra» (2011). В 2012 году все три проекта были показаны целиком в Martin-Gropius-Bau в Берлине и в Манеже в Москве. Трилогия позволяет проследить последовательное развитие работы коллектива с цифровыми изображениями.

«Inverso Mundus»: исторический сюжет в цифровом произведении

С 2015 года AES+F работают с проектом «Inverso Mundus». Его отправной точкой стали гравюры XVI века, посвящённые сюжету мира наизнанку. Семиканальная версия была представлена в параллельной программе 56-й Венецианской биеннале. Через цифровые изображения художники обратились к теме изменённого общественного порядка и перевёрнутых социальных ролей.

Работа с историческим сюжетом предполагает его переосмысление через современные средства изображения. В созданном визуальном мире привычные отношения оказываются преобразованы, а зритель наблюдает за происходящим на нескольких экранах. Пространственное расположение видеоканалов влияет на восприятие произведения. Цифровая среда становится частью художественного замысла.

В визуальном языке AES+F можно выделить гиперреалистичный характер изображений. Сцены выглядят подробно проработанными, но при внимательном рассмотрении возникают несоответствия привычной действительности. Зритель постепенно обнаруживает, что происходящее подчиняется другим правилам. Такое ощущение связано с особенностями созданного художниками визуального мира.

Работы AES+F находятся в коллекциях Третьяковской галереи, Русского музея, МАММ, Центра Помпиду, Fondation Louis Vuitton, Moderna Museet и ZKM. Художественная практика группы демонстрирует возможности цифрового преобразования фотографий и построения многоканальных видеоинсталляций. Выбор технологии связан с характером художественной темы и устройством произведения. Через цифровую обработку художники создают изображения, существующие в собственной визуальной системе.

Для автора, работающего с видеоартом, практика AES+F представляет пример последовательного использования выбранных цифровых средств. При создании произведения необходимо учитывать движение изображений и их взаимодействие в пространстве. Значение имеет связь технического решения с содержанием работы. Видеоформат позволяет развивать художественную тему через изменение изображения во времени.

Что объединяет четыре художественные практики

Творчество Кабаковых, «Коллективных действий», Полисского и AES+F показывает разные способы организации зрительского опыта. Произведением становится пространственная среда, событие или цифровой визуальный мир, в котором человек знакомится с художественным замыслом. Восприятие связано с обстоятельствами, созданными автором, и с контекстом существования работы. Художник определяет, каким образом зритель будет взаимодействовать с произведением.

Для тотальной инсталляции Кабаковых значение имеет устройство пространства и возможность знакомства с вымышленной историей через предметы. В акциях «Коллективных действий» существенны ожидание, участие человека и последующая документация. Полисский работает с природной территорией и коллективным созданием объектов, AES+F используют цифровые технологии для построения визуальных сцен. Каждый подход предполагает определённые отношения между художественной темой и выбранным медиумом.

Общим становится внимание к контексту. Для понимания инсталляций Кабаковых необходимо учитывать их обращение к советскому прошлому, а акции Монастырского требуют знакомства с обстоятельствами проведения и сохранившимися свидетельствами. Произведения Полисского связаны с природной средой и участием местного сообщества, цифровые проекты AES+F обращаются к социальным сюжетам через созданные изображения. Контекст помогает понять, почему художник выбирает определённую форму произведения.

Как художнику анализировать выбранный медиум

Изучение подобных практик полезно начинать с художественной темы. Необходимо определить, какой вопрос исследует автор и каким способом он создаёт условия для знакомства зрителя с произведением. Затем рассматриваются свойства материала и выбранного медиума, их связь с художественным замыслом. Отдельного внимания заслуживает роль зрителя, поскольку она может быть предусмотрена самой структурой работы.

В инсталляции существенна возможность присутствия человека внутри созданной среды. В художественной акции значение приобретает последовательность события и способ его последующего документирования. Для ленд-арта необходимо учитывать место создания объекта и свойства природных материалов, а цифровое произведение предполагает работу с движением изображений и их взаимодействием. Каждый медиум задаёт собственные возможности художественного исследования.

Практики российских художников также показывают, как отдельная тема может развиваться на протяжении многих лет. Илья Кабаков возвращался к памяти о советском прошлом, Андрей Монастырский исследовал художественное событие, Николай Полисский работал с природной средой, а AES+F использовали цифровые изображения для обращения к социальным сюжетам. Последовательность произведений позволяет проследить, каким образом складывается авторский подход. Художественный язык формируется через развитие темы и исследование возможностей выбранных средств.

В следующих выпусках серии «Современные художники России» будут рассмотрены практики Андрея Бартенева, Павла Пепперштейна, Эрика Булатова, Recycle Group и художников молодого поколения. Их произведения позволят продолжить изучение форм художественного высказывания и способов работы со зрительским восприятием.

Частые вопросы

Кто такие современные художники России?

Современные художники России работают с разными формами художественного высказывания, включая инсталляцию, акцию, ленд-арт и цифровое искусство. Среди авторов, развивавших эти практики, Илья и Эмилия Кабаковы, Андрей Монастырский и группа «Коллективные действия», Николай Полисский и AES+F. Их произведения связаны с исследованием памяти, пространства и восприятия зрителя.

Что такое тотальная инсталляция?

Тотальная инсталляция предполагает создание целостного пространства, в котором зритель оказывается внутри художественной ситуации. Илья и Эмилия Кабаковы используют интерьеры и вымышленных персонажей для работы с темами памяти и советского быта. Примером служит произведение «Человек, который улетел в космос из своей комнаты» (1985).

Что такое ленд-арт?

Ленд-арт связан с созданием художественных произведений непосредственно в природной среде. Николай Полисский работает с природными материалами и строит объекты совместно с местными жителями. Среди его произведений находятся «Снеговики» (2000), «Маяк» (2004) и «Бобур» (2013).

Где можно посмотреть работы этих художников?

Произведения Кабаковых представлены в коллекции Центра Помпиду и экспонировались в Tate Modern, Эрмитаже и Новой Третьяковке. Работы Николая Полисского находятся в Никола-Ленивце, фотографии акций «Коллективных действий» хранятся в архиве Музея «Гараж». Произведения AES+F входят в собрания Третьяковской галереи, Русского музея, МАММ и других музеев.

С чего начать знакомство с современным российским искусством?

Начать можно с изучения конкретных произведений и того, как они устроены. Инсталляции Кабаковых помогают разобраться в работе с пространством, акции «Коллективных действий» показывают роль события и документации, а произведения Полисского и AES+F знакомят с ленд-артом и цифровым видео. Для понимания авторского замысла полезно учитывать контекст создания произведения и выбранный художником способ работы.

Рекомендуем прочитать

• Что такое современное искусство: как его понимать начинающему художнику
• Направления современного искусства: виды, течения и тенденции для начинающих художников
• Инсталляция и скульптура: в чём разница
• Перформанс в искусстве: что это простыми словами